Cada cierto tiempo desde las artes nos recuerdan el precio de la libertad y el costo de perderla, confrontándonos con lo cerca que caminamos por el desfiladero del autoritarismo o supremacía de unos pocos -o uno- sobre los demás. En 1949 nos lo recordó Orwell y en 1989 desde la particular perspectiva del genio del cómic Alan Moore con su novela gráfica V for Vendetta, hoy llevada al cine por los hermanos Andy y Larry Wachowski.

Una Inglaterra de un futuro muy cercano que se refugió tras la cortina del fascismo y un líder carismático, comienza a adormilarse frente a medios controlados, adoctrinamiento absoluto y crítica prohibida. Un misterioso hombre en una máscara de Guy Fawkes hace volar la torre de la justicia de Londres, lanzando fuegos artificiales y con música de Tchaikovski. Tras lo que anuncia, lleno de alegorías históricas, poéticas y dramáticas, que en un año hará volar el parlamento inglés.

Utilizando los mismos medios que el régimen utiliza para dominar, comenzará a esparcir la llama de la anarquía en un mundo donde el orden reina supremo y es incuestionado. Utilizando el pasado de los dirigentes tanto como el propio, derruirá los cimientos del castillo de naipes del poder. Y a través de una inocente y frágil mujer (Natalie Portman en gloria y magestad) cambiará las mentes, corazones y energías de sus compatriotas para convertirlos en sujetos de su propia emancipación.

Con pequeños cambios que actualizaron la vigencia de la obra original, por ejemplo que ésta se llavaba a cabo en 1997 y la película, en nuestro futuro cercano. Pero principalmente es la inclusión de alusiones a la política internacional norteamericana y británica de hoy. La guerra preventiva contra el terror. Contra el mal.

Realizada por los creadores de Matrix y protagonizada por Hugo Weaving (el ya mítico Agente Smith), está perfectamente filmada, con contornos nítidos y colores definidos. Si bien oscura, está ausente de las características del filme noir y muy cercana a una cinta de ciencia ficción retocada digitalmente en cada detalle, aunque sin llegar a reconocerse como tal. La música está presente como recuerdo nostálgico de un mundo pretérito y mejor, siempre a través de filtros que la añejan y la transforman en otro símbolo político.

Antes de verla, pude leer la novela gráfica original, de la que reproduzco las viñetas que consideré claves. Tras las cuales supe que no estaba frente a otro cómic, sino frente a la conciencia de una sociedad que está, como siempre, al borde del peligro que puede ser desatado por la sencilla ausencia de cuestionamiento. Tuyo o mío.

Disfrutarla en cines ahora. Discutirla con alcohol después.

Capote no es una película biográfica. Tampoco una reivindicación homosexual. Y aun menos una obra fácil de digerir.

Dirigida por el desconocido Bennett Miller, trata acerca del proceso que vivió el escritor Truman Capote mientras ideaba la probablemente mejor obra de no ficción jamás escrita, In Cold Blood (A sangre fría). En una interpretación que quita el aliento (sólo hay que recordarlo como el "mateo pesado" de Patch Adams o el freak obeso sonidista de Boogie Nights), Philip Seymour Hoffman se hizo su trozo de cielo cinemarográfico al demostrar un bipolar, maquiavélico, neurótico y aun así querible escritor.

La historia comienza con el brutal asesinato de una completa familia en un pequeño pueblo del corazón conservador americano. Y con la captura del par de principales sospechosos, criminales de poca monta y de baja vida. Capote ve allí un choque cultural magnífico y pretende elaborar alrededor del asesinato y el proceso judicial su "obra maestra", como siempre la llamó después.

Las conversaciones con los acusados, en las que decía identificarse con ellos, es intercalada con su disipada vida de alegre socialité newyorkino y abierto homosexual (son los años 60). La empatía que sentía hacia los objetos de su obra es intercalada con su urgente necesidad de información y el posterior sentimiento de culpa (si bien algo ambiguo) al verse utilizándolos inmisericordemente.

Los distintos escenarios son divididos inteligentemente por el director, utilizando colores pasteles y largos silencios para las tomas del pueblo, diferenciándolos de los salones llenos de humo, alcohol y risas de la vida social del escritor y las claustrofóbicas entrevistas carcelarias. Prácticamente carente de música que interfiera con los diálogos.

Un escritor, su obra y el sufrimiento que esta relación conlleva. Luego de verla, no queda sino partir a la biblioteca o librería mas cercanana.

Y así termina la serie de artículos "Oscars 2006". Por fin pude verlas todas antes de la premiación. Espero las disfruten. ¿mis pronósticos? Mejor Director Paul Haggis por Crash y Mejor Película para Brokeback Mountain.

Cuando aun antes de su estreno la comunidad palestina acusaba al judío director de parcial al mismo tiempo de recibir críticas desde Israel por no ser fiel a la historia, sabemos que Steven Spielberg había hecho algo bueno.

El recordado atentado palestino a la delegación israelí en las olimpiadas de Munich de 1972 es el motivo de una historia con elevados tintes políticos y morales, donde el "Rey Midas de Hollywood" se da el lujo de entregarnos un mensaje potente acerca de la insensatez de la violencia en el medio oriente: La violencia lleva a más violencia y destruye a todos quienes la ejercen.

El relato transcurre en forma paralela. Mientras el tronco principal nos muestra los hechos posteriores al atentado a través de la creación y posterior accionar de un equipo subterráneo con la intención de asesinar a los responsables intelectuales del ataque, en forma secundaria se intercala un racconto del atentado en sí mismo que entrega una apropiada perspectiva en la construcción de los personajes.

Si bien los hechos relatados son recientes, destaca la gran delicadeza en la que la década del 70 fue retratada en la obra, lográndose una verdadera pieza de época que traslada al espectador eficientemente no sólo al contexto físico y tecnológico de esos años, sino al ambiente político internacional que reinaba entonces.

Protagonizada por Eric Bana, con la participación de Daniel Craig (futuro agente 007) y una gran actuación secundaria de Geoffrey Rush. La construcción de los personajes es, a excepción del protagónico, bastante limitada y no pretende alejarse de un relato en primera persona que está muy bien logrado.

Siendo ésta su primera incursión en un cine claramente político (La lista de Schindler no trataba una discusión con dos contrapartes representadas en la sociedad), Spielberg logra construir un armado desde la perspectiva del pueblo judío pero demostrando en cada paso su intención de alejarse de los moldes que se esperan de su origen. La discusión del protagonista con su contraparte árabe es una descarnada y bastante justa contraposición de ideas de las que el espectador no puede sino comprender la ausencia de sensatez y de salidas para la lucha de entonces y de hoy en la que se enfrascan el pueblo palestino e Israel.

Buena película, pero en una liga ligeramente inferior a sus competidoras por las estatuillas. Súmamente instructiva, al menos para quienes no vivimos la época. Sorprende lo poco que hemos aprendido o cambiado.

Dirigida por Ang Lee (Crouching Tiger, Hidden Dragon), está diseñada para remover convicciones y destruir símbolos. La relación homosexual de un par de cowboys norteamericanos durante la segunda mitad del siglo XX es llevada a la pantalla sin eufemismos, logrando así su objetivo.

Heath Ledger y Jake Gyllenhaal protagonizan soberbiamente una muy norteamericana historia de amor, con el aun inexplorado por hollywood elemento homosexual. Y para hacerlo más golpeante aun, sus personajes, a través de sus modos, trabajo y contextos, representan la mayor masculinidad posible en el imaginario del país del norte.

Un par de hombres que se enamoran durante una temporada cuidando ovejas en la montaña. Ambos, muy a su pesar, deben luchar contra las concepciones tanto sociales como internas. Una relación llena de culpa y vergüenza que tiene la intención de relacionar a todo espectador, independiente de su orientación. Una sociedad que jamás los aceptará como son ni lo que sienten y que los mandata a llevar una vida que no es la suya. Un ineludible y angustiante sufrimiento. Una clásica historia de amor, sólo distinta.

Bellamente filmada, con fantásticas locaciones y paisajes. Con un gran uso de los silencios y los primeros planos a los actores. Transcurre a un suave y constante ritmo en el que el espectador puede digerir lo que ve, siente y escucha, haciéndose notar así el claro carácter didáctico del filme. Sólo un par de flashbacks hacia el final que, si bien tienen consistencia argumental, estropean ligeramente los tiempos y pueden ser criticables.

Enormes actuaciones (Michelle Williams se luce como las grandes) engloban una de las grandes "películas de causa" que han salido de los estudios norteamericanos. Altamente recomendable para todo quien desee poner a prueba sus convicciones en el tema, para quien desee simplemente ver una gran historia de amor con apertura de mente, o por último, para quien desee ver una de las películas (aunque suene contradictorio) más masculinas de los últimos tiempos.

Brokeback Mountain se hizo para dar que hablar. Y lo logra con clase.

Dirigida y escrita por George Clooney, nos lleva a una época de periodismos heróicos y de grandes causas. De cómo la televisión se convirtió en un referente en la política y el devenir de la sociedad norteamericana.

Filmada en Blanco y Negro, nos entrega una visión de dentro del programa de la CBS "See It Now" y la lucha que desembocó en la caída del McCarthismo.

El senador Joseph McCarthy entre 1950 y 1956 generó un cúmulo de acusaciones de pertenencia al partido comunista en contra de artistas, políticos y personalidades en general. Cualquiera que se opusiera a él o a los suyos sería tildado de comunista y expuesto públicamente, destrozando su vida.

David Strathairn interpreta inspiradamente a Edward R. Murrow, presentador y periodista principal de "See It Now", quien se aboca en denunciar mediante la pantalla las tácticas del senador y derribar el verdadero reino del terror que había creado. La personalidad imperturbable, heróica y claramente idealizada del quijotesco periodista auna en su alrededor las voluntades de su equipo y del público norteamericano mediante un trabajo prolijo en el que utiliza las propias palabras y apariciones del Senador para demostrar sus inconsecuencias y juzgar sus acciones. Las amenazas y respuestas del senador, la relación con los ejecutivos de la cadena y los auspiciadores, las presiones hacia la consecución del objetivo por parte del mundo del periodismo, todos son elementos protagonistas en el ralato.

El senador, centro de la historia, no es representado por actor alguno, mostrando en su lugar imágenes de archivo que le dan a la obra un toque de documental bastante sutil y exquisito.

Un fino estudio crítico de la televisión como medio y de su rol en la sociedad desde la visión de uno de sus próceres, con la intención de hacer un llamado contingente frente a temas y situaciones sumamente actuales. La película representa la cúspide (hasta ahora) de la politización cinematográfica abiertamente declarada por Spielberg y ligada a la reelección de Bush.

Good Night, and Good Luck no es para todos los públicos, pero está construida para ser profundamente disfrutada por algunos (el establishment liberal-hollywoodense incluído). Enjoy.

De gran factura técnica es este thriller político dirigido por Fernando Meirelles (Ciudad de Dios). Gran historia poco convencional de intrigas internacionales, espionaje y temas sumamente actuales.

Trata de la historia del comisionado especial de la ONU para el combate del SIDA en Kenia. Cómo se enamora y pierde a su mujer en lo que parece un accidente. Y mientras repasa su vida comienza a encontrar distintos elementos que le hacen pensar que tal vez no fue un accidente. Descubre la vida paralela de su mujer, sus investigaciones, anhelos y fuerza. Y mientras descubre capas tras capas de corrupción e intereses ocultos, se vuelve a enamorar de su fallecida mujer. Las ayudas humanitarias, las empresas farmacéuticas y los intereses económicos detrás de ambos. Todo construye un relato coherente, tratado en forma imaginativa y con la facultad de satisfacer a amplios públicos.

Protagonizado en muy correcta actuación por Ralph Fiennes, quien aquí se lleva las palmas es Rachel Weisz (me enamoré de su personaje), quien si bien sólo aparece en Racconto o en los múltiples Flashbacks, es capaz de mostrar un desempeño potente y muy creíble. Lleno de emoción y empatía.

Buen sonido y fotografía, aunque si gana alguna nominación a algún premio importante será por su espectacular edición. La escena del viaje a Amsterdam es una clase magistral en la materia, rozando en lo pomposo.

Va a llegar al cine a Chile en algunas semanas y la recomiendo con mucha fuerza.

Un documental acerca de un chiste. Ni más ni menos. Pero qué chiste..

Tras bambalinas de los shows de comedia norteamericanos y por largos años, los mismos cómicos se han contado el mismo chiste una y otra vez. Sus variaciones, sus interpretaciones y las pocas veces que ha salido a la luz. Contado a través de los mejores comediantes del país del norte una y otra vez durante la hora y media que pasa volando.

La historia de "el chiste mas divertido jamás contado" contada por sus decenas y decenas de protagonistas. The Aristocrats está dando que hablar y la explosiva fama del chiste, y del documental tiene su buena razón.

Para que sepan de qué hablo, vean y escuchen el chiste de parte de  tal vez la persona más apropiada: Eric Cartman (South Park, en Inglés). Luego de esto, no podrán sino encontrar y ver de principio a fin el documental. Disfruten.

La sorpresa del año en la ciencia ficción. Simple, directa, pero potente. Su historia comienza con la serie televisiva Firefly de la temporada 20002 - 2003 que no captó rating, y fue cancelada. Como en muchos casos (Star Trek siendo el principal ejemplo), fue adquiriendo carácter de culto y tuvo buenas ventas en DVD. Y se hizo la película.

Con los mismos realizadores y actores que la serie, Serenity permite ver el ambiente de western espacial, retocado con gran diálogo y efectos especiales. La notable "actitud" de la serie, llevada a proporciones casi épicas. Pero sin perder su inherente inocencia.

La historia trata un futuro lejano, donde un grupo heterogéneo de piratas sobrevive en un ambiente de postguerra robando y realizando todo tipo de tropelías. Siempre en su pequeña y maltratada pero confiable nave espacial "Serenity". Están en lo suyo cuando se encuentran con una síquica en huída. Un arma humana que oculta un terrible secreto y cuyo silencio y muerte es buscada por los grandes poderes del gobierno. Ella los enviará en una búsqueda donde encontrarán el peligro y la redención.

Con personajes increíbles, diálogos chispeantes y actuaciones espectaculares. Summer Glau (River Tam) me dejó sin habla. Efectos especiales que son dosificados y muy bien utilizados. Excelente edición.

Excelente experiencia cinematográfica que deja con ganas de más. Lo mejor, es que tras verla encontré a la serie original siendo emitida para Chile por La Red los sábados a las 14:00. Y lo aun mejor, es que el éxito en la taquilla y las fantásticas críticas prácticamente aseguran una secuela mas pronto que tarde.

Espero, pronto en los cines chilenos. Muy recomendable, y sin duda una de esas historias sencillas que construyen cultos a su alrededor. La mejor nueva historia de ciencia ficción desde Matrix.

Realizado y presentado hace sólo dos semanas por el prolijo documentalista de denuncia Robert Greenwald, representa una excelente muestra del nuevo frente de batalla en la guerra permanente que los militantes consumidores norteamericanos llevan contra las empresas que probadamente comienzan a abusar de sus poderes monopólicos: El Documental.

Wal-Mart es la mayor cadena de megasupermercados del mundo, siendo una de las corporaciones mas poderosas del país del norte. Y en Wal-Mart: The High Cost of Low Price (El alto costo de los precios bajos) son acusados mediante entrevistas, documentos, imágenes y denuncias de lo siguiente:

Destrucción de comunidades locales al irrumpir con precios con los que se es imposible competir, mantener al grueso de sus empleados en empleos part-time sin pago de horas extras, la negación de planes de salud a sus empleados quienes están obligados a usar los destinados a ciudadanos de menores recursos y desempleados (Medicare, Welfare), activa política antisindical que involucra amenazas, despidos y equipos de respuesta rápida que viajan vía jet privado ante la amenaza de un movimiento sindical (es la única empresa grande de Estados Unidos SIN NINGÚN sindicato en función). La discriminación a la hora de ascender a sus empleados (no son ascendidos mujeres ni personas de color). Uso de inmigrantes ilegales que son encerrados en la noche dentro de sus locales para limpiarlos, uso de billones de dólares en subsidios estatales para la construcción de sus locales (no disponibles para otras empresas) y tras lograr esos fondos, reubican el local fuera de los límites de la respectiva ciudad para evitar los impuestos. Contaminación tóxica de múltiples vertientes y lagos de agua de beber, condiciones subhumanas de trabajo en las fábricas en el extranjero que hacen sus productos de "marca propia" y récord de criminalidad (robos, asesinatos y violaciones) en los estacionamientos de los supermercados que no tienen ninguna vigilancia (excepto donde hay cámaras de video para prácticas antisindicales) e indisposición a hacerse responsable.

Luego de las anteriores denuncias, el autor muestra cómo las comunidades locales comenzaron a organizarse y a impedir en distintas partes de EE.UU. la construcción de nuevos locales mediante votaciones distritales o mediante la elección de autoridades cuya campaña era negar los permisos al gigante del retail. Así, mostrando la nota positiva tras todo lo anterior.

La importancia para Chile no es menor, ya que la empresa Líder tiene como modelo de negocio a Wal-Mart. Tanto así, que ya un par de veces el gigante norteamericano ha intentado comprar a la principal cadena chilena de supermercados. Hasta ahora, el precio ofrecido no ha sido suficiente.

Muy característico de la cultura norteamericana de denuncias de consumidores, presenta algunos elementos que marcan la dirección por la que avanzará nuestro país en los próximos años, al cambiar nuestra cultura de exigencias estatales a una de exigencias de consumidores, mientras nuestra sociedad se acostumbra al ya cambiado principal interlocutor en nuestras vidas, del estado hacia el mercado.

Interesante. Buscarlo en Chile por vías no tradicionales.

Luego de leer algunas de las múltiples selecciones de las "mejores películas de todos los tiempos", me sorprendí de la cantidad de películas que conocía y me había prometido ver algún día, pero no lo había hecho. Ante esto, nace esta nueva sección: "las debí haber visto antes", cuyo 1er número es:

Siete Samurais, dirigida por Akira Kurosawa en 1954, es un perfecto ejemplo del trabajo y la historia de este espectacular director. Épica en trama, en época y en duración.

Trata de un pueblo de campesinos que, no soportando el contínuo acoso de un grupo de bandidos que todos los años les roban cosechas, mujeres y bienes, deciden buscar la ayuda de mercenarios guerreros Samurai.

Las 3 horas y media que dura la película no pasan en vano. La historia desarrolla las personalidades, tanto orgullosas como enternecedoras de los diversos personajes que pululan el Japón medieval tardío favorito de Kurosawa. Decepciones, vuelcos inesperados, heroísmo, cobardía y hasta el infalible interés amoroso.

Escenas claramente separadas entre sí, como estrofas que componen la detallada y cuidadosa composición total. Un uso de cámara que incluso hoy se ve fresco e innovador. Escenas bélicas que nada le tienen que envidiar a películas posteriores y que le da mucho que envidiar a sus contemporáneas norteamericanas.

La escenografía, espectacular. Ciudades, paisajes, la completa aldea y sus alrededores. Son un viaje en el tiempo con cada detalle cuidado y resuelto. Se aleja de posibles clichés histórico-locales para construir un mundo sincero, brutal y natural.

La música, primal y repetitiva (sin aburrir ni molestar) en su leit motif, que es llevado a alturas inimaginables cuando corresponde. Le entrega a la película otro importante elemento de época. De simpleza y de emoción sin desvíos, poderosa.

Una obra sin heroísmos o villanismos clásicos, sino con unos personajes profundamente humanos, sin ser completamente autoexplicativos o siquiera exageradamente consecuentes. Los siete héroes de la aldea son construcciones magníficas, desenvueltas con paciencia y maestría para hacerlas explotar en las secuencias finales de acción.

Sin duda alguna, la debí haber visto antes.